Las 5 principales trampas de la melodía—y cómo evitarlas

Muchos de los escritores cuyas canciones escucho en mis talleres trabajan largo y tendido en sus letras, esforzándose por encontrar formas únicas y novedosas de contar sus historias y expresar sus conceptos. Pero a veces se olvidan de que no estamos escribiendo poemas, sino canciones, y si esperamos crear canciones que resuenen en los oyentes, nuestras letras tienen que ir acompañadas de melodías extraordinarias y memorables.

A menudo es más fácil identificar los puntos débiles en las letras que en las melodías. Mientras que puede ser evidente que una línea de la letra es clichéé y necesita incorporar un enfoque más fresco y original, puede ser más desafiante diagnosticar las razones por las que una melodía no logra saltar del montón proverbial o permanecer grabada en el cerebro.

A continuación se presentan algunos de los escollos de las melodías con los que me encuentro más a menudo—y sus remedios.

1. Elaborar melodías que suenan como si se impusieran sobre cambios de acordes predecibles

Muchas de las canciones de los actuales creadores de éxitos de la música pop y urbana se elaboran creando primero una pista musical. En estos casos, se compone y produce una «cama» musical formada por los teclados, el bajo, la batería y las guitarras antes de la melodía que cantará el vocalista. A continuación, se elabora una melodía vocal para que funcione con los cambios de acordes, los ritmos y los surcos que se han establecido.

Aunque este enfoque de la composición no es típico en la música country, hay más casos de canciones que se crean para el mercado de Nashville utilizando este método. En la música country, americana, de raíces y folk, aunque no se suele crear una pista musical completa antes de una melodía vocal, las progresiones de acordes tocadas en una guitarra acústica suelen preceder a la melodía.

No hay una forma «correcta» o «incorrecta» de escribir una gran melodía, y un sinfín de canciones de éxito han comenzado con una progresión de acordes. El problema surge cuando la melodía vocal suena como si se hubiera impuesto a esos acordes como una idea de última hora.

En mis talleres, yo también critico a menudo canciones con melodías que suenan como si hubieran sido creadas como resultado de escritores que rasgan progresiones de acordes predecibles en una guitarra—y luego imponen una melodía que funciona perfectamente con esos acordes. No hay “roce”—ni disonancia. Así que, te preguntarás, “¿Qué hay de malo en eso?”

Puede que no haya nada “malo” en estas melodías, pero “nada malo” está muy lejos de ser melodías inolvidables, frescas y originales. Nadie va por la calle tarareando cambios de acordes, licks de guitarra, ritmos de batería, grooves o líneas de bajo. Aunque todos ellos son componentes importantes de las canciones de éxito, no son suficientes.

Poner más atención en estos componentes que en la melodía que los sustenta es como si un constructor dedicara la mayor parte de su tiempo y energía a los cimientos de una casa y luego construyera la casa de forma aleatoria. Los cimientos son cruciales, pero no más importantes que la casa. Las progresiones de acordes, los patrones de batería, los licks de guitarra y las líneas de bajo deben ir acompañados de melodías y ritmos frescos, originales y que no se te escapen de la cabeza, para que el cantante pueda cantar.

Puede ser útil evaluar tus melodías cantándolas a capella, para estar seguro de que se sostienen por sí solas. Deben ser memorables, fáciles de cantar y no deben sonar como si faltaran notas—o se hubieran metido notas extra—para acomodar la letra.

Recuerde que su melodía es de vital importancia para el éxito de su canción. Independientemente de cómo se empiece una canción, cuando esté terminada, necesita una melodía vocal que obligue a un artista, editor, productor o ejecutivo de A&R a decir “Sí”—y a un público a invitarla a sus corazones.

2. Conformarse con ritmos predecibles en las melodías vocales

Con la cantidad sin precedentes de música disponible para los oyentes, es más importante que nunca separar nuestras canciones de la competencia. Las canciones con melodías que se basan en ritmos comunes y poco excepcionales tienen pocas probabilidades de captar la atención del oyente.

Una de las mejores maneras de elevar las canciones de “buenas” a “WOW” es escribir melodías vocales que incorporen ritmos frescos y con gancho. Taylor Swift es una maestra de esta herramienta. Una escucha de la estrofa y el estribillo de su éxito nominado al GRAMMY, “We Are Never Ever Getting Back Together,” (Taylor Swift/Max Martin/Shellback) revela la enorme contribución de los ritmos dentro de la melodía vocal.

Esta técnica suele incluir la síncopa—colocar el acento rítmico en un “tiempo débil” y se puede escuchar en innumerables éxitos. Algunos grandes ejemplos son: Rodney Atkins’ grabación de “Take a Back Road,” (Rhett Akins/Luke Laird); Carly Rae Jepsen’s “Call Me Maybe,” (Carly Rae Jepsen/Tavish Crowe); y One Direction’s “What Makes You Beautiful” (Rami; Carl Falk; Savan Kotecha).

Incluir síncopas y ritmos pegadizos y únicos que empujen los límites son algunas de las mejores herramientas que puedes utilizar para ayudar a separar tus canciones de la competencia—independientemente de tu género musical.

3. Falta de contraste

Un problema melódico común es no diferenciar claramente cada sección de una canción (es decir, la estrofa, el preestribillo, el estribillo o el puente) de otras secciones. Si bien la repetición melódica y rítmica dentro de una sección determinada puede ser el proverbial pegamento que ayuda a que las melodías se queden grabadas en el cerebro, para mantener la atención de los oyentes&#8217, lo ideal es que cada sección sea rítmica y melódicamente distinta de las partes de la canción que la rodean. En términos sencillos, no quieres que las estrofas suenen como el estribillo, ni que el puente suene como la estrofa o el estribillo.

No debe haber dudas sobre cuándo empieza el estribillo. Puedes conseguirlo eligiendo entre varias herramientas diferentes. Una de las formas más eficaces de anunciar la llegada del estribillo es utilizar notas más altas. El estribillo suele incluir las notas más altas de la canción y, en muchos casos, estas notas aparecen en la primera línea del estribillo.

Dos ejemplos excepcionales de estribillos que “saltan a la vista” son Adele’Rolling in the Deep” (Adele/Paul Epworth) y Jason Aldean’Fly Over States” (Neil Thrasher y Michael Dulaney).

Otra forma de asegurarse de que cada parte de una canción se distingue de los demás componentes es variar los ritmos en las melodías vocales de una sección a otra. Por ejemplo, si un preestribillo es entrecortado y rítmico, como resultado de incluir un aluvión de notas cortas (como corcheas), el estribillo posterior podría beneficiarse de notas más largas (como notas enteras). A la inversa, una estrofa que se basa en gran medida en notas largas y sostenidas podría ir seguida de un estribillo que incorpore notas más cortas para conseguir una sensación más “rítmica”.

Aunque muchas canciones de pop, country y adult contemporary incluyen estribillos que “levantan,” las canciones de pop de influencia urbana suelen diferenciar sus estribillos de sus estrofas con un ritmo claramente diferente— en contraposición a las notas altas elevadas.

Para mantener el interés de sus oyentes, asegúrese de variar el rango y/o los ritmos de una sección a la siguiente.

4. Introducir demasiados motivos melódicos

Tendemos a recordar aquello a lo que estamos expuestos una y otra vez—y esto ciertamente se aplica a las melodías. Si quieres que tus melodías se queden grabadas en el cerebro, la repetición, la repetición y la repetición son las tres formas principales de conseguirlo. Tus oyentes no pueden aferrarse a una melodía y recordarla si ésta cambia constantemente.

Cuando critico trabajos de escritores en desarrollo, a veces escucho canciones que establecen una melodía (por ejemplo, un motivo de 2 compases)—luego introducen una nueva melodía, y otra melodía—todo dentro de una sección de ocho compases. Pero cuando analizo canciones exitosas de varios géneros, suelo encontrar que dentro de cualquier sección de una canción (verso, preestribillo, estribillo, puente) rara vez hay más de dos conceptos melódicos distintos.

Para ver un ejemplo de una canción que incorpora esta herramienta, escuche a Norah Jones’ ganadora del GRAMMY “Don’t Know Why” (Jesse Harris). Verás que la estrofa está compuesta por un motivo melódico de 4 compases de «llamada y respuesta». El ritmo establecido en los dos primeros compases se repite en los dos segundos. Esta melodía de 4 compases se escucha cuatro veces; no se introduce ninguna melodía adicional en la estrofa. El puente también utiliza esta herramienta estableciendo una frase melódica de 4 compases—y luego repitiéndola.

Otro excelente ejemplo de incorporación de la repetición mediante la limitación del número de ideas melódicas dentro de cada sección puede escucharse en el estribillo de la canción de One Direction, que rompió su carrera, “What Makes You Beautiful” (Rami; Carl Falk; Savan Kotecha). El estribillo consta de una frase melódica de dos compases que se escucha tres veces. Le sigue la frase de 2 compases que acompaña al título. Esta cuarta frase es una melodía y un ritmo diferentes—distinguiendo así el título de las líneas que lo rodean. A continuación, se repite esta melodía de ocho compases. A excepción de una línea, todas las líneas de la letra del estribillo contienen el mismo número de sílabas, lo que permite al autor de la melodía repetir el mismo ritmo, y casi la misma melodía.

Escucha tus canciones favoritas y probablemente oirás los mismos ritmos y melodías repetidos una y otra vez dentro de cada sección. Si incorporas esta técnica a tu trabajo, podrás escribir melodías que los oyentes no podrán olvidar.

5. No reescribir las melodías

¿Cuál es la posibilidad de que la primera melodía que se te ocurra sea tan perfecta que no puedas mejorar ni una nota o un acorde— aunque toda tu carrera dependa de ello? Nuestras carreras están basadas en la composición de canciones que incluyan melodías que no sean simplemente buenas, sino excepcionales. Tus melodías deben superar a las escritas por los autores y artistas que encabezan las listas de éxitos— los creadores de canciones que tienen el pulso de la escena musical actual.

Para descubrir las mejores melodías de las que eres capaz, desafíate a reescribir cada estrofa y estribillo al menos tres veces. Puedes crear melodías alternativas haciendo hincapié en diferentes sílabas, palabras o combinaciones de palabras. Por ejemplo, si tu título es “Sé que puedo escribir un éxito,” podrías enfatizar las palabras en negrita (abajo) manteniéndolas más tiempo o asignándoles notas más altas:

Yo – puedo escribir un éxito
– puedo escribir un éxito
Sé que Puedo – escribir un éxito
Sé que puedo ESCRITAR un éxito
Sé que puedo ESCRIBIR un HIT
.

Explora diferentes opciones de notas—prueba con notas ascendentes o descendentes; prueba diferentes ritmos dentro de la melodía vocal—incluyendo notas largas y legato y ritmos más picados. También puedes ver cómo funciona tu melodía a diferentes tempos.

Otra forma de elaborar melodías alternativas es repetir algunas de tus sílabas, palabras o combinaciones de palabras. Por ejemplo:

Sé—Sé – Puedo escribir un éxito
Puedo—Puedo—Puedo Escribir un éxito

También puedes probar a utilizar sílabas sin sentido para crear un gancho melódico añadido. Por ejemplo:

Oh, Oh, Oh, Oh – Sé que puedo escribir un hit
Sé que EYE—EE-EYE-EE—EYE puede escribir un hit

Para ver buenos ejemplos del uso de esta herramienta en varios géneros, escucha Feist’s “1234” (Feist/Sally Seltmann), Beyoncé’s “ Single Ladies (Put A Ring On It)” (Stewart/Nash/Harrell/Beyoncé) y Jake Owen’s “Barefoot Bluejean Night” (Paslay/Altman/Sawchuk).

También puedes probar una variedad de acordes diferentes para acompañar tus melodías. A veces, una nueva forma de armonizar tu melodía puede ser justo el billete que necesita para darle vida.

En algunos casos, la primera melodía que salga de ti captará realmente la magia—pero no puedes’estar seguro de ello hasta que hayas probado a darle más fuerza. Después de haber explorado una variedad de melodías, siempre puedes volver a tu primera melodía—si es la que prefieres.

Recuerde: si no da a los responsables de la toma de decisiones y a sus oyentes una razón para elegir sus canciones en lugar de las de la competencia—no lo harán. Reescribe tus melodías hasta que sean distintivas, frescas y memorables al instante. Supera los límites de la creatividad sin dejar de ser coherente con los géneros a los que te diriges. No te conformes con menos de lo mejor. Tu carrera depende de ello.

Jason Blume es el autor de 6 Steps to Songwriting Success, This Business of Songwriting, y Inside Songwriting (todos publicados por Billboard Books), y ha producido una serie de CDs de audio instructivos de composición. Sus canciones están en álbumes que han vendido más de 50 millones de copias, y es uno de los pocos escritores que han tenido sus canciones en las listas de pop, R&B y country al mismo tiempo. Las canciones de Jason han sido grabadas por diversos artistas, como Britney Spears, los Backstreet Boys, la Orquesta de Cámara de Nashville y estrellas de la música country, como los Oak Ridge Boys, John Berry (que obtuvo el premio BMI Million-Air por superar el millón de reproducciones) y Collin Raye (6 cortes). Recientemente ha tenido dos éxitos en el top 10 en Europa con la estrella holandesa BYentl, y sus canciones se han incluido en los principales programas de televisión, como “Scrubs,” “Friday Night Lights,” “The Guiding Light,” Disney’Kim Possible,” y “el concurso de Miss América.”