¡Elige tu repertorio!

Para el primer artículo quiero hablar sobre el repertorio y la elección del mismo. En mi opinión, elegir las piezas correctas, sea lo que sea lo que signifique para cualquier pianista individual, es lo segundo, después de tocar bien, para maximizar las oportunidades de un pianista de hacerlo bien en una competición. En las siguientes secciones, expondré los puntos que pueden guiar a un pianista hacia un programa exitoso. Aunque pueda parecer muy procedimental o metódico, muchas de estas elecciones se hacen de forma subconsciente, intuitiva o emocional. Un programa bien diseñado no sólo exhibe bien a un pianista, sino que le permite actuar con todo su potencial.

Algo que recordar

Antes de entrar en los parámetros reales que tenemos en cuenta a la hora de elegir las piezas, quiero explicar por qué me parece tan importante una buena programación.

El objetivo manifiesto en un concurso de piano es recibir la máxima puntuación del panel del jurado. Podemos discutir sobre el «mejor» o el «más interesante» pianista, pero la única forma de ganar es obtener más puntos o más votos (en el sistema que sea) que cualquier otro. Uno de mis antiguos profesores decía, cuando un alumno le preguntaba por qué no había ganado, «porque no has conseguido tantos puntos». Aunque esta respuesta es un poco jocosa y despiadada, cuanto antes aceptemos este hecho, antes podremos ver las competiciones de forma racional.

Suma esto a mi experiencia personal en los jurados que uno generalmente recuerda a sus jugadores más y menos favoritos – el medio del paquete generalmente se desvanece en una mancha, especialmente cuando hay muchos competidores. Aunque sería ideal que todos los jueces pudieran recordar cada actuación (tomar notas ayuda hasta cierto punto), no es una expectativa realista.

Estos dos hechos significan que como competidor quieres ser recordado, idealmente de forma positiva, por los miembros del jurado, y es de esperar que sean más propensos a darte una mayor puntuación. Esto parece sencillo, pero vale la pena decirlo. Esto no quiere decir que esté de acuerdo con hacer algo para causar un efecto de sorpresa, o con hacer una locura porque cree que va a llamar la atención de los miembros del jurado. Sin embargo, si viene de un lugar musicalmente genuino, y resulta ser memorable y único, entonces creo que es tanto una buena estrategia como una experiencia muy satisfactoria para el intérprete y los miembros del público.

Mientras observas y escuchas la competición, intenta ser consciente de quién crees que pasará a la siguiente ronda (no sólo de quién te gusta) y observa si hay una correlación entre eso y quién recuerdas más (de nuevo, no necesariamente alguien que te guste). Te darás cuenta de la cantidad de formas diferentes que hay para ser recordado, ya sea un movimiento físico, la forma en que alguien camina en el escenario, la forma en que toca su legato, o cualquier otra cosa.

Todo esto es para establecer la idea de que la elección del repertorio de un competidor puede convertirse en un punto por el cual el competidor es recordado. Esto ocurre incluso antes de que el competidor salga al escenario. Al hojear los programas, ya tengo en mente algunos pianistas a los que me gustaría escuchar sólo por cómo han programado su recital, o por una pieza específica que van a tocar. He tenido gente que se me ha acercado, años después del concurso, y me ha dicho: «¡Todavía recuerdo tu _____ del concurso de 2013!». No sólo es una estrategia para hacerlo bien en un concurso, sino que es una sensación satisfactoria en cualquier momento, sabiendo que te recuerdan!

«Mi pieza»

Cuando intentamos decidir qué piezas tocar en un recital o concurso, la mayoría de nosotros tenemos una lista de piezas imprescindibles a las que recurrimos. Voy a dividir estas piezas imprescindibles en tres categorías:

1. Piezas a las que nos sentimos apegados

La mayoría de nosotros tenemos piezas a las que nos sentimos muy apegados, especialmente en nuestra interpretación. Puede que programemos estas piezas para hacer una declaración interpretativa. O tal vez simplemente disfrutamos tocando estas piezas en el escenario. O, tal vez, nos gusta empezar un programa con una determinada pieza, porque la conocemos bien, y nos ayuda a entrar en la zona.

2. Piezas con las que hemos recibido comentarios positivos

A la mayoría de los pianistas les han dicho que ciertas piezas eran «su pieza». Hay piezas o compositores que asocio inmediatamente con un colega. Y, como la mayoría de los pianistas no son vírgenes en los concursos, ya tienen en su cabeza una idea de lo que les funciona en un entorno de competición y lo que no. A medida que hacemos más y más competiciones, vamos añadiendo y podando de esa lista.

3. Piezas que siempre hemos querido tocar pero que nunca hemos tenido la oportunidad de hacerlo.

Este es probablemente el más arriesgado, ya que implica que la pieza es relativamente nueva, o que el concursante no la ha interpretado muy a menudo en el marco de una competición. Sin embargo, es un riesgo que a veces es necesario para crear un programa que funcione. Elegir esta opción requiere que el competidor esté seguro de que es capaz de ofrecer una interpretación convincente de la pieza relativamente nueva.

Afirmaría que para la mayoría de nosotros, los pianistas, estas piezas imprescindibles forman los núcleos alrededor de los cuales construimos el resto del programa. Tomamos estas piezas, y trabajamos hacia fuera para formar programas cohesivos e interesantes. Esta construcción parece ser la más orgánica, especialmente en una situación en la que se nos da (casi) libertad para elegir el repertorio. En el caso de una pieza obligatoria, esa pieza también se convierte en uno de los núcleos sobre los que construir.

Una estructura monolítica, o la fuerza de los números?

A veces verás a competidores que programan cinco o seis piezas en un lapso de treinta minutos (dando unos 5 o 6 minutos para cada pieza), o a los que programan una sola pieza larga para esa misma duración. Por un lado, no quieres poner todos los huevos en la misma cesta y apostar si pasas de ronda por una sola pieza. Tal vez esa pieza no muestra lo suficiente de ti como pianista, o es muy difícil de llevar a cabo con eficacia. Por otro lado, tampoco quiere extenderse demasiado. Pasar de una pieza a otra puede impedirle establecer un «ritmo» y evitar que entre en una buena zona de interpretación. Para un juez o un miembro del público, podrías parecer indeciso o inseguro de lo que quieres mostrar como pianista.

Ninguna de las dos cosas es mejor que la otra, pero creo que hay un equilibrio, un término medio que obviamente depende de las piezas. Si estás tocando varias piezas del mismo compositor que funcionan bien juntas, el grupo resultante podría actuar como una obra de varios movimientos. Lo mismo podría ocurrir con piezas de distintos compositores si están conectadas temática o tonalmente. A la inversa, una sola obra larga podría tener muchas secciones o movimientos, lo que le permitiría presentar un cuadro pianístico y musical completo.

La última consideración es si hay rondas no eliminatorias. Por ejemplo, como no hubo corte entre las dos primeras rondas en el Cliburn de 2013, me pareció que valía la pena el riesgo de tocar la sonata Hammerklavier de Beethoven como única obra en la segunda ronda, equilibrando un programa más diverso que toqué en la primera ronda.

Equilibrio de estilos

El apartado anterior hablaba principalmente de la duración y «magnitud» de las piezas. Este apartado se centra en los estilos y la distribución de piezas de diferentes épocas a lo largo de las rondas. De nuevo, como en muchas cosas de la vida, un equilibrio adecuado es la clave. Cuando uno se convierte en un pianista experimentado y conocido, puede ser conocido por tocar un estilo de pieza o un compositor específico, como Uchida para Mozart, Schiff para Bach o Rubinstein para Chopin. En un concurso, si bien no tenemos que cubrir necesariamente toda la gama de la historia musical, sí tenemos que mostrar amplitud, flexibilidad y destreza.

Al considerar la variedad de estilos, un competidor también tiene que tener en cuenta que la mayoría de los grandes conciertos permitidos en las principales competiciones son de principios del romanticismo a principios del siglo XX. Si desea programar algo barroco o clásico temprano (excepto Mozart), tendrá que ser una pieza solista en las primeras rondas. Del mismo modo, las selecciones de música de cámara suelen abarcar un periodo de tiempo corto.

La expectación es otro factor: un competidor que sólo toca un determinado estilo de pieza tendrá una desventaja inherente, no porque no muestre suficiente variedad, sino porque el público entonces piensa: «¡Ooh, este tipo debe estar realmente seguro de su interpretación de ______!» Entonces, ¡debe cumplir y superar eso! Por supuesto, si un estilo específico es algo que crees que es tu fuerte, entonces quizás valga la pena el riesgo.

Poniéndolo en contexto

¿Empiezas con la pieza barroca, porque así es como lo has hecho siempre, o abres con una obra moderna espinosa, y segue casi attacca a una obra romántica tranquila para contrastar? El orden de las piezas importa bastante. Puede utilizarse eficazmente para captar la atención del público y proporcionar un buen arco dramático al programa. Una buena cadencia de piezas de diferente duración también puede ayudar a que un programa fluya más, y en realidad hace que sea más fácil de interpretar, tanto mental como físicamente.

También hay que tener en cuenta el cansancio a lo largo de la competición. Puede que seas capaz de tocar tanto Gaspard como Petrouchka en una sola sesión en casa, pero para muchos de nosotros, programar ambas piezas en una sola ronda en un entorno de competición, especialmente en una ronda posterior, es una receta para el desastre. En las últimas rondas, vas a trabajar también en el concierto de Mozart mientras preparas tu música solista de la semifinal. ¿Vas a tener el tiempo y la concentración mental para traer las piezas?

Jugar a lo seguro

El último tema es sobre la efectividad de una pieza. Hay ciertas piezas con las que simplemente es más fácil hacerlo bien o ganar competiciones, dado un nivel general de juego. Aunque a la gente no le guste oírlo, simplemente es más efectivo tocar algo como el Primer Concierto de Tchaikovsky que el Primer Concierto de Brahms en una competición. Si me dieran a elegir entre los dos, y tuviera que adivinar qué pieza ganaría sin conocer a los pianistas ni a los miembros del jurado, elegiría siempre a Chaikovski. No he hecho esta investigación antes, pero si se hace un estudio de las piezas que han ganado los principales concursos, supongo que no se encontrará mucha variación. Las conocemos: Tchaikovsky, Prokofievs, y Rachmaninoffs. Quizá algún Beethovens. También conocemos las piezas solistas, y sin duda escucharán muchas de ellas este año: Sonata de Barber, Sonata de Liszt, Petrouchka, Gaspard, etc.

Nos gusta pensar que seríamos capaces de hacerlo bien con cualquier pieza, pero esa no es la realidad. Es una combinación de dificultad, vistosidad de la parte de piano y facilidad de trabajo de conjunto e interpretación musical. Claro que es posible con algo como el Brahms, pero la mayoría de la gente estaría de acuerdo en que ciertas piezas requieren un mayor nivel de sofisticación musical y delicadeza para tocarlas bien, y a menos que poseas esas habilidades, realmente podría ser más seguro tocar algo de la lista probada.

Eso no significa que no me emocione cuando veo que alguien gana un concurso con una pieza que no es de esa lista.

Coda

Espero que esto te haya dado alguna idea de cómo se pueden construir los programas, tanto si eres un aficionado al piano que trata de entender por qué un competidor podría elegir las piezas que eligió, como si eres un pianista que trata de obtener ideas para tu próximo recital o programa de competición. Desde luego, no se trata de una lista exhaustiva de parámetros, y muchas cosas podrían ser obvias, pero como ocurre con la mayoría de los conocimientos, tener las cosas explícitamente expuestas podría dar paso a un pensamiento más claro e incluso a enfoques más creativos.

Estén atentos al próximo artículo, en el que repasaremos la pieza encargada por Hamelin